En toda película hay una persona responsable del
conjunto de los procesos que se ponen en marcha y de todos los departamentos que
colaboran para un mejor aprovechamiento de los esfuerzos comunes. Recibe el nombre de director y su función principal es
organizar la puesta en escena en el rodaje.
La puesta en escena de una película comienza con la previa distribución del
espacio escénico a partir de la planificación del guión por la que se dividen en
tamaños de plano las secuencias permitiendo una visualización previa del film;
muchos directores hacen esta operación, cuyo resultado se denominastory
board, en dibujos.
Una vez en el rodaje, el emplazamiento de la cámara en una determinado punto
es el elemento clave. El director decide, en ocasiones aceptando sugerencias del
director de fotografía o del operador de cámara, la altura y colocación exacta
de la cámara, la óptica y el foco. En suma, elige un punto de vista (el suyo)
que permitirá distribuir un espacio de tres dimensiones enmarcado en la
bidimensionalidad de la pantalla.
El efecto emotivo de una secuencia puede verse alterado si picamos o
contrapicamos el ángulo de toma de la cámara.
En el ángulo picado la cámara está
por encima del objeto, atribuyéndosele de esta manera valores de
empequeñecimiento del mismo.
Por el contrario en el contrapicado el ángulo de la
toma se sitúa por debajo del objeto y, en la alteración de las proporciones,
denota una superioridad del objeto representado sobre el punto de vista de la
cámara.
La puesta en escena necesita de un cierto trabajo por cuidar los aspectos que
constituyen la ambientación general de la película. Durante unos sesenta años del
pasado siglo todas las películas se filmaban en estudios, por lo que se reducía
la importancia de la fase de localización. Sin embargo, en la actualidad lo más frecuente es que el trabajo en estudios
se combine con los rodajes en exteriores e interiores naturales y la
localización se ha convertido en una etapa fundamental para el buen resultado
estético de un film.
Curso de Cine: Dirección y Puesta en Escena Audiovisual
La continuidad es la función que interrelaciona espacial y temporalmente
un plano con el siguiente. Permite cuando se ven dos planos
seguidos, asociarlos como consecutivos aunque estén rodados en lugares y,
evidentemente, momentos distintos.
El respeto de una serie de normas profesionales
y condicionantes técnicos nos permitirán apreciarlos en pantalla como continuos.
Estos elementos a respetar serán, la luz, el decorado, el vestuario, el actor,
el maquillaje, el sonido y la dirección de mirada o movimiento y en su conjunto
reciben el nombre de raccord (o continuidad en los planos).
Para mantener una geografía clara en los espacios de la realización
cinematográfica y audiovisual se parte de una normativa muy precisa que se
articula a partir del concepto de eje. Se llama eje escénico o de acción a la
trayectoria que sigue en pantalla cualquier elemento móvil. El eje escénico se
forma igualmente entre dos personajes inmóviles que se miran. El eje de cámara
es la línea imaginaria que coincide con el punto de mira del objetivo de la
cámara.
El espectador cognitivamente reconstruye el espacio de tal manera que si no se
observan esas reglas, usualmente conducen a confusión: es lo que se denomina como
‘saltos de eje’ (en las repeticiones televisivas suele avisarse con el letrero
de ‘ángulo inverso’)
Un último factor a tener en cuenta en este apartado hace referencia a la
dialéctica plano-contraplano y campo. En otras palabras, cuando establecemos un
plano siempre se crea un espacio opuesto o confrontado, que en el conjunto de la
narración de la película puede quedar fuera de nuestra visión, en off (lo que
obliga al espectador a imaginárselo, como ocurre con frecuencia en el género de
terror) y se llama fuera de campo, o convertirse en el plano siguiente; en este
caso recibe el nombre de contraplano.
En los albores de la historia del cine no existían movimientos de cámara, los
actores se movían frente a ella y en las películas se utilizaban únicamente
planos fijos que fijan un punto de vista único ante el que se desarrolla la
acción. Innegablemente su origen fue teatral y establecía la posible visión de
un espectador sentado en la butaca.
Pronto los creadores de imágenes vieron la
posibilidad de aderezar sus historias con los movimientos de la cámara o la de
alejarnos o acercarnos al objeto a fotografiar aunque éste permanezca estático.
Descripción de los más conocidos movimientos de cámara:
La panorámica es un movimiento sobre el
eje horizontal (el más habitual), vertical o diagonal. Las panorámicas se suelen
hacer apoyada la cámara sobre la cabeza del trípode pero en ocasiones se ven
algunas hechas a mano, mucho más inestables. La
panorámica realizada tan rápida como para emborronar la imagen se denomina
barrido y se utiliza como recurso estilístico.
En los ‘travellings’ la cámara se
desplaza en relación al escenario; se realizan colocando la cámara en unos
raíles para facilitar su movimiento. Pueden ser de avance, de
retroceso o de acompañamientoy dotan a la imagen de dinamicidad
al variar la perspectiva con el movimiento de la cámara.
El movimiento de Zoom, o
travelling óptico, es aquel en el que el punto de
vista o perspectiva de la cámara no cambia, únicamente lo hacen las dimensiones
de la escena en el interior del cuadro.
El steadycam es un movimiento libre de la
cámara. Se consigue con un sistema de suspensión y absorción del movimiento que
permite al operador realizar tomas de seguimiento en situaciones imposibles para
un travelling; por ejemplo, subiendo una escalera o a través de los árboles de
un bosque.
Cabeza caliente es un movimiento en
varios ejes de la cabeza de la cámara permitiendo cualquier tipo de seguimiento
y movimiento a diferentes alturas. Permite todos los puntos de vista imaginables
en continuidad.
Otros movimientos de cámara también destacables pero de menor calado en la
historia del cine serían:
La simple y común cámara en mano como un
movimiento inicialmente asociado al punto de vista subjetivo al transmitirse a
la imagen y, por consiguiente, al espectador las vibraciones del operador a la
cámara, por ejemplo, persecuciones en
el cine de terror.
La Grúa hace referencia a un movimiento
amplio ascendente o descendente para situar la cámara a grandes alturas.
La creación audiovisual es, ante todo, un proceso comunicativo.
Todo producto es un mensaje que se desea hacer llegar a alguien y para que este
proceso sea exitoso ha de realizarse a mediante el empleo de un código común
entre emisor y receptor.
Así pues el cine posee su propio lenguaje y en esteapartado
daremos a conocer sus reglas esenciales.
Los planos
El plano es la unidad básica del lenguaje audiovisual.
Desde una perspectiva espacial, plano es el espacio escénico que vemos en el
marco del visor de la cámara o en la pantalla; desde una perspectiva temporal
plano (o toma) es todo lo que la cámara registra desde que se inicia la
filmación hasta que se detiene.
Cuando los pioneros cinematográficos empezaron a tomar
conciencia de las variaciones que surgían con los cambios de punto de vista de
la cámara y objetivos decidieron crear una tipología del tamaño de los planos.
La establecieron tomando como referencia básica la figura humana; aunque los
límites son flexibles puede decirse que:
Plano General es
aquel en el que predomina el decorado sobre el personaje. Se utiliza cuando se
pretende situar espacialmente el conjunto de los elementos que se ven. En
ocasiones, según su función, recibe el nombre de "plano máster", plano que
establece toda la acción de la secuencia que luego será complementada con planos
más cortos.
A su vez, el plano general puede dividirse en:
- Gran Plano Generalque se utiliza para dar una visión panorámica de un paisaje, aunque
también podemos usarlo para contrastar elementos de muy distinto tamaño u
ofrecer una visión completa de la acción, por ejemplo; el plano del planeta
tierra siendo invadido por los ovnis en Mars Attacks! (1996) de Tim Burton.
- Plano General
propiamente dicho: aquel que nos ofrece el cuerpo completo del sujeto u
objeto, por ejemplo; los habitantes de Villar del Río
en la plaza del pueblo en Bienvenido Mister Marshall (1953) de Luis García Berlanga.
- Plano General Concreto
que equivale a un tamaño casi exacto del personaje y del ambiente que le
rodea, como ocurre en esta escena de Ciudadano Kane (1941) de Orson Welles.
Plano tres cuartos o americano
es aquel en el que el cuadro corta la figura por las rodillas; es denominado del
segundo modo porque era el más frecuente en los westerns para mostrar de forma
conveniente al vaquero con su cartuchera con pistolas al cinto. Ha de tenerse
cuidado con ajustar bien el corte de la imagen porque si se baja a los tobillos
o se sube a la entrepierna produce una impresión óptica desagradable conocida en
el argot como planos ‘tobilleros’ y ‘bolivianos’, respectivamente.
Plano medio es el
referido a una imagen que recoge cuerpos humanos a la altura de la cintura. Este
plano establece la interrelaciones directas entre dos o más personaje o entre
estos y los objetos del ambiente.
Elprimer plano se
centra en el rostro pero también es aquel que incluye una parte completa del
cuerpo. Obviamente, centra completamente la atención del espectador en el
personaje al eliminar el contorno del encuadre; sirve para enfatizar en un punto
concreto la totalidad de la acción dramática. Exige una dirección del actor muy
meticulosa pues hasta el más ligero de los gestos se ve multiplicado por la
extensión que ocupan en la pantalla.
Por último, el primerísimo
primer plano o, más habitual, plano de detalle es el que
abarca una parte incompleta del cuerpo. Su utilidad es enfática y su abuso
conlleva un cierto agotamiento visual del espectador.
El conjunto de los planos que poseen unidad de espacio y
tiempo recibe el nombre de secuencia y puede estar conformada bien por un único
plano al que se denomina plano secuencia o bien por una cantidad indeterminada
de ellos.
El uso excesivo de los tamaños extremos de
plano, como planos generales o primeros planos, termina por diluir sus funciones
y virtudes. Suele establecerse como narración armónica aquella que combina
diversos modelos de corte de plano.
El premio Óscar es un galardón concedido por la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas en reconocimiento a la excelencia de los profesionales en la industria cinematográfica,
incluyendo directores, actores y escritores.
El Óscar es llamado
oficialmente «Premio de la Academia al Mérito», y es el principal de los
nueve premios que se otorgan.
El acto formal, en el cual los premios son presentados, es una de las
ceremonias más prominentes y prestigiosas del mundo, y es transmitida
en vivo anualmente para más de cien países. Es también la ceremonia de
premiación más antigua en los medios de comunicación, y sus
equivalentes: el Grammy iniciado en 1959 (en la música), el Emmy iniciado en 1949 (en la televisión) y el Tony iniciado en 1947 (en el teatro) han seguido el modelo de la Academia.
El origen del nombre «Óscar» es aún muy debatido. En una biografía de la actriz Bette Davis se afirma que la estatuilla fue nombrada como tal en honor a su primer esposo, Oscar Nelson. En 1932, Walt Disney citó haber agradecido a la Academia por el Óscar que ganó en dicho año. En 1931, cuando la secretaria ejecutiva de la Academia, Margaret
Herrick, vio por primera vez el premio e hizo una referencia con su «tío
Óscar».
Otra versión acerca del origen del nombre se originó con Eleanor
Lilleberg, secretaria ejecutiva de Louis B. Mayer, quien al ver la
estatuilla exclamo: «¡se parece al rey Óscar II!». Finalmente, en 1939, el premio fue llamado oficialmente «Óscar» por la AMPAS.
Películas más premiadas de las últimas décadas:
1939 Lo que el viento se llevó 10 Oscars
1946 Los mejores años de nuestra vida 8 Oscars
1959 Ben-Hur 11 Oscars
1961 West Side Story 10 Oscars
1972 Cabaret 8 Oscars
1987 El Último Emperador 9 Oscars
1997 Titanic 11 Oscars
2003 El Señor de los Anillos: el Retorno del Rey 11 Oscars
Los efectos especiales que vemos en el cine son, en
realidad, la mezcla de varias técnicas.
Estas surgieron con el propósito de crear una
fábrica de sueños fílmicos que hagan
desaparecer la frontera entre la realidad y la
fantasía.
Principales efectos
especiales en el cine
actual
Los efectos
especiales se refieren a aquellos artificios a los que se recurre
en el rodaje de una película para dar apariencia de
realidad a ciertas escenas.
Esto clarifica y delimita un poco más el concepto, y es
debido a esta concepción que se pueden clasificar en
efectos de sonido y en
efectos visuales.
Generalmente el público hace referencia
a la idea de 'truco', cuando se refiere a ambos. Actualmente los
efectos especiales constituyen una actividad especializada dentro
de la poderosa industria del
cine, que se nutre de la ciencia y
desarrolla a la par de los avances
tecnológicos.
Orígenes y desarrollo: Geroges Meliés fue, sin duda, un genial precursor
del cine actual. Él, propuso que el cine consistía
en una fábrica de sueños, es decir, en buscar la
manera de trasmitir una ilusión, creando un ambiente real
o fantástico. Para esto, escritores, poetas y productores,
se valieron de la ciencia y de
los hallazgos técnicos; no como un fin, sino como un medio
para transmitir un mensaje.
El secreto consistía en usar imágenes
para contar una historia, pero, sobretodo,
consistía en envolver al espectador en la ilusión
de que algo era real, cuando no lo era. Con este
propósito, empiezan a surgir diversas técnicas
que permitían crear esta 'magia' con mayor efectividad.
Inicialmente las llamaron 'trucos', pero, más tarde,
recibieron el nombre de Efectos Especiales.
La era digital: A medida que los
efectos especiales se fueron desarrollando, se hacía
más necesario y común su uso. Es así como,
durante los años ochenta, los productores empezaron a
experimentar con efectos digitales (efectos creados en computadora) y
desde allí el cine se vuelve menos industrial y más
digital.
Una de las primeras producciones creadas usando gráficos por computadora
fue 'El joven Sherlock Holmes', luego le siguió King Kong
' en 1933.
Luego vendría '2001 Odisea en el espacio' de
Stanley Kubrik (1968); y más adelante, en la década
del 70, 'Encuentros Cercanos del Tercer Tipo', de Steven
Spielberg. Estas producciones mostraban una suposición de
lo que podría ocurrir en el futuro a través de
efectos de la imagen.
También se buscaba aumentar o empequeñecer la
visión de los objetos usando la perspectiva. Esta
técnica se aprecia en la película 'Cariño,
he encogido a los niños'.
Con la elaboración de películas como el
clásico 'La Guerra de las
Galaxias' de George Lucas (1977), la computadora
alcanza un excelente desarrollo y una amplia aplicación.
Luego, en 1993, Jurassic Park causa un gran impacto entre el
público por sus efectos digitales. Fue la primera vez que
se veía, en pantalla grande, dinosaurios
prehistóricos de una manera tan realista.
Estas son sólo muestras de los inicios de la era
digital. Actualmente, esta técnica se ha desarrollado
mucho más y se han creado producciones tan impresionantes
como Titanic y The Matrix.
Los efectos
especiales en relación con la ciencia y
el arte:
Es importante conocer a los efectos especiales como
parte de la ciencia y el
arte de la
cinematografía. Para realizar efectos que impacten y
atraigan a nuestros sentidos, se necesita una serie de estudios y
observaciones previas. Para ellos, no sólo se usa las
diferentes herramientas
de la ciencia, sino que también se busca una armonioso y
exacto acabado estilístico.
El arte de los efectos especiales:
Toda película posee una forma fílmica,
ésta se encuentra compuesta por un sistema formal y
un sistema
estilístico o artístico.
Para entender la 'forma' en cualquier arte (en este
caso, el séptimo arte), necesitamos estar familiarizados
con el medio que este arte utiliza e interpretar su
composición. Así por ejemplo, si queremos analizar
una obra literaria, necesitamos un conocimiento
del lenguaje;
cuando analizamos una escultura, necesitamos un conocimiento
acerca de la forma, la composición y el estilo. Por tanto,
para la comprensión de una película se requieren
los 'rasgos del medio cinematográfico'.
Estos rasgos tienen una naturaleza formal
y otra estilística. En cada película, las
técnicas que se emplean tienden a crear un sistema propio
y distintivo. A este uso unificado y desarrollado de
técnicas se le denomina 'estilo' o sistema
estilístico.
Sistema Formal:
El sistema formal consiste en la naturaleza
narrativa o no narrativa de la película. Cuando vamos al
cine, generalmente, vemos una película narrativa, es
decir, que cuenta una historia. Si la
película es ficticia, entonces, hablamos de una narrativa
de ficción. A medida que transcurre la película
aceptamos algunas pistas o anticipamos lo que pasaría, es
decir, participamos de la forma fílmica. La historia o
trama evoca la curiosidad, el suspenso y la sorpresa, y al final
de ella, las expectativas del público, creadas alrededor
de la película, pueden quedar satisfechas o no. Todas
estas son facultades de la forma narrativa de la
película.
Sin embargo, no siempre las películas cuentan una
historia. Así por ejemplo, los filmes educativos,
documentales institucionales, políticos o
ecológicos, son sistemas formales
no narrativos, ya que su principal intención es transmitir
una información concreta y objetiva.
Sistema
Estilístico:
El sistema estilístico constituye la naturaleza
artística de los efectos especiales, es por ella, que
estos efectos pueden guiar nuestra imaginación, clarificar
o subrayar significados y condicionar nuestra respuesta emocional
hacia una película.
Generalmente, las técnicas
cinematográficas realzan la forma narrativa o no narrativa
de la película, pero hay ocasiones en las que el 'estilo'
puede llegar a desvincularse de estas formas y atraer nuestra
atención por sí mismo. El sistema
estilístico está conformado por la puesta en
escena, la fotografía, el montaje y el sonido. La
importancia de este sistema, está en que nos ayuda a
captar mejor la situación o el contenido de la
película, de esta manera, quedan grabadas algunas escenas
significativas para el espectador.
El
realismo de la
Puesta en escena:
La puesta en escena significa llevar a la escena una
determinada acción. Es una expresión que se usa
también en la dirección teatral y está comprendida
por los decorados, el vestuario, la iluminación y la actuación de los
personajes. Estos elementos son muy importantes para lograr el
grado de realismo que
se desea lograr con el film. Sin embargo, esta técnica
permite, también, crear un mundo imaginario que trascienda
la realidad. Esta elección sólo depende de los
caprichos de la imaginación del productor.
La imagen
Fotográfica:
La cinematografía está estrechamente
relacionada con la fotografía, en la medida que se necesita
alterar la película la cual está conformada por
protones de luz y
oscuridad.
Una de las ventajas que proporciona la
fotografía es que el cineasta puede cambiar la perspectiva
de la imagen o seleccionar una gama de tonalidades.
El
Montaje:
El montaje consiste en la coordinación de un plano con el siguiente.
El papel de
éste dentro del sistema estilístico de una
película es importante. Una película generalmente
está constituida por una cantidad de planos que va desde
800 a 1200.
El modo más común de unir dos planos es el
corte, que consiste en unir o 'montar' dos imágenes
para obtener la exhibición sucesiva de la
película.
El
Sonido:
El sonido en nuestra vida cotidiana es, generalmente,
sólo el fondo de las imágenes de captamos. Sin
embargo, para poder llevar
esta realidad al cine, se realiza todo un estudio y un dedicado
proceso de
producción de todos los ruidos que se
escucharán en el film. Todos estos ruidos constituyen la
banda sonora de la producción y se trabajan independientemente
de las imágenes, esto convierte al sonido en una
técnica muy flexible y de gran eficacia.
La ciencia y
los efectos especiales:
Para lograr escenas tan impresionantes como la
erupción de un volcán o la llegada de un
extraterrestre a la tierra, se
necesita el uso de diversas técnicas que engañen a
nuestros sentidos, estas se logran con rigurosos estudios y
tienen su base en fenómenos científicos; de
ahí la relación de los efectos especiales con la
ciencia.
Principio de Persistencia de la
visión:
Este fenómeno es la base para la técnica
del movimiento de
la imagen y funciona de la siguiente manera: cuando la retina del
ojo humano es excitada por la luz, llegan a
nuestro cerebro impulsos
que la interpretan como una imagen. Las células de
la retina continúan enviando estos impulsos a la corteza
visual por una fracción más de segundos, aún
cuando la luz se ha extinguido. Por lo tanto nuestros sentidos
siguen percibiendo la imagen del rayo de luz. Este
fenómeno es llamado Persistencia de la visión, ya
que, como su propio nombre lo dice, la imagen parece persistir
por unos segundos más. Como prueba:
Un sencillo ejercicio:
Mirar fijamente a la nariz roja de la señorita durante 30 segundos,
y a continuación mirar hacia una pared y pestañear.
Técnica de movimiento de
la imagen:
Esta técnica está basada en el
fenómeno antes descrito. Cuando se proyecta una imagen y,
antes de que desaparezca se coloca otra en su lugar, el cerebro no es
capaz de captar el espacio entre las dos y percibe a esta como
una continuación de la primera. Si de la misma manera se
presenta una sucesión progresiva de imágenes,
nuestros sentidos percibirán una escena de acción y
movimiento continuada.
En este caso por ejemplo, las líneas azules son paralelas entre sí.
En este otro se percibe claramente movimiento aunque nada se mueva.
Principio del Movimiento de los
objetos:
Este fenómeno consiste en el desplazamiento
continuo de objetos en el espacio con respecto a un punto de
referencia. Mientras más cerca estemos de este punto,
mayor será la sensación de movimiento. Pongamos un
ejemplo común. Cuando vamos en el coche, nuestros puntos de
referencia son los alrededores. Los observamos pasar muy
rápidamente, es entonces cuando captamos el movimiento. Lo
mismo sucede cuando miramos por la ventana de un avión o
cuando los astronautas miran a través de su nave
espacial.
Efectos especiales no digitales:
Aquí es donde entraría por ejemplo la caracterización.
En un plano escénico, se garantiza la caracterización de un personaje mediante la aplicación de técnicas de peluquería, implantes y maquillaje.
Los cambios que permitirán adaptar la fisonomía del intérprete a las
características del personaje que interpreta; teniendo en cuenta los
imperativos de la producción
y/o escénicos. Asimismo, define el proceso y establece los plazos para
ajustarse a las necesidades de la planificación general del espectáculo.
Este profesional también coloca las pelucas, postizos, prótesis, y
cuando procede, da las indicaciones técnicas al personal a su cargo o a
los intérpretes para su colocación. Además debe ser capaz de realizar su
labor teniendo en cuenta los diferentes protocolos de actuación en relación con los actores y en los diferentes géneros escénicos.
Algunos de los mejores efectos especiales del cine:
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